Catatumbo: Un Proyecto de Nohemí Pérez
Curaduría de José Alejandro Restrepo
21 de Marzo a 28 de Abril de 2012
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Esquema Estructural: Un proyecto de Beatriz Olano
4 de Febrero a 10 de Marzo de 2012
En los años más recientes se ha podido observar con claridad que renace el interés por la geometría y por la abstracción en el arte, como por las problemáticas de orden visual o plástico, mientras se opaca la fuerza de las dinámicas creativas centradas eminentemente en la denuncia social o en las manifestaciones políticas.
Pero más allá de la fatiga de determinadas formas críticas, es importante comprender que nos encontramos en las puertas de otra definición de mundo en tanto que se aceptan cambios rotundos en el campo de la física y, en consecuencia, en los de las ciencias y las formas de conocimiento que se relacionan con ella más cercanamente.
El arte es uno de esos campos de conocimiento en que se avisan las transformaciones pioneras, en cuanto trabaja con las formas concretas o físicas, así como con las ideas que las reconocen o analizan. Por la misma razón, presiente y asimila de manera temprana las nuevas orientaciones de la percepción y señala derroteros para su interpretación.
Momentos de redefiniciones tan radicales como las que se vislumbran en el presente, cuando las grandes mentes de la física insisten en la importancia de entender que no pertenecemos a un mundo de cuatro dimensiones sino de once o más y que este universo es solo uno entre muchos otros (con las implicaciones que esos planteamientos conllevan), no son abundantes en la historia de occidente. Hitos como el Renacimiento o el paso del siglo XIX al XX son referencias de enorme significación en ese sentido, precisamente por ser trances del devenir humano en los que descubrimientos e indagaciones de importancia decisiva han implicado que la idea de mundo se rehaga casi por completo desde nuevas perspectivas. El rol que juega la capacidad visionaria del arte en esos cortes históricos es fundamental, como lo es, en esos casos en el arte, el conocimiento de la geometría, el del espacio y el de la forma en su más abstracta expresión. Los tránsitos de una realidad a otra suponen ejercicios matemáticos y filosóficos con capacidad para operar lejos de las formas conocidas, y al mismo tiempo, en su más profundo sentido.
Artistas con miradas y talentos como los de Beatriz Olano se logran entender entonces con mayor lógica en esos contextos. Su obra, al variar con los espacios y con las estructuras en las que se instala, reconoce infinidad de situaciones, realidades y perspectivas potenciales. Y esto, mientras exalta, reconoce y estalla poéticamente los límites dentro de los cuales se circunscribe.
En el trabajo de Beatriz Olano no hay verdades últimas o sólidas, solo alternativas, y las que se reconocen, se trenzan en simultaneidades constructivas. En esta propuesta el mundo concreto se destituye sin que el vértigo o el terror se impongan en su remplazo. Por el contrario, en el trabajo de Beatriz Olano la variación y la reinvención estética y armónica se revelan como un juego en el que no hay reglas, solo un continuo desafío a la audacia, a la inteligencia, a la recursividad y a la precisión de la inventiva. Por la misma razón en él, el vacío antes que ser nada es fuente de posibilidades sin límite para la reinvención y la renovación.
En tal desempeño de reubicaciones y estrategias de creación armónica se evidencia que en este tipo de obras hay bastante más que los simples formalismos a los que un sector de la crítica los pretende reducir.
Estructura, ordenamiento, simetría, asimetría o equilibro son metáforas potentes en estas obras, que remiten, con igual capacidad analítica, al campo al que se quieran dirigir sus elucidaciones: al político, al humano, al físico o al visual por ejemplo. En cualquiera de ellos se pueden guiar esclarecimientos a partir lo que señalan puesto que permean y esclarecen lo más hondo de los basamentos de las formas, como la lógica que les ha dado una composición.
En el caso de Beatriz Olano esto ocurre desde múltiples instancias. En su obra hay riqueza en la organización geométrica y en el reconocimiento plural del equilibrio; también, en el conocimiento y uso del color como espectro de posibilidades expresivas, al igual que en la expresión en los planos bidimensional y tridimensional. En cualquiera de ellos además, la noción de tiempo de la artista es infinita, al igual que las posibilidades que plantea para la edificación y modulación del espacio y de la forma en él.
Tiempo en la obra de Beatriz Olano es movimiento imparable y en incontables direcciones. Es un fenómeno que se comprende y codifica en su paso a través de las formas que afectan el mundo que ya existe o en aquellas que advierten uno nuevo. Así, lo que nombramos perfección se define en esta propuesta como acontecimiento inteligente e interminable. Algunas veces ese suceso es previsible, en otras ocasiones es pasmosamente sorprendente.
María A. Iovino
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Optimismo Radical, Un Proyecto de Marco Maggi
Octubre 22 a Diciembre 17 de 2011
La galería NC-arte se complace en anunciar la inauguración de "Optimismo
Radical Un Proyecto de Marco Maggi" el sábado 22 de octubre a las 11 a.m.
La exposición estará abierta al público hasta el 17 de diciembre de 2.011.
Carrera 5 no. 26b-77, barrio La Macarena, Bogotá D.C.
Optimismo Radical, Un Proyecto de Marco Maggi, es una construcción que
comienza en el atrio de la galería con una enorme columna de más de 10
metros de altura forrada con Post-its de color amarillo. A partir de este
"faro" se desarrolla un plano laberintico hecho de resmas de papel
ubicadas directamente sobre el piso de la planta principal, una
construcción rigurosa y llena de dudas, acentuada en la pared de fondo por
una composición de sobres blancos.
Las rutas por recorrer nos plantean varias preguntas: ¿A dónde nos llevan
estas calles, estas avenidas?, ¿cómo funciona el laberinto?, ¿serán los
cimientos de una edificación que nunca se consolidó?
Hay un sentido ritual al entrar en esta "construcción" que nos mantiene
misteriosamente dentro del camino, doblando esquinas, dando vueltas,
evitando saltar las resmas, la vía más corta; hay un respeto por el límite
marcado y desorientación ante los múltiples silencios blancos que
subrayan,
aún más, las avenidas de color y nos marcan de nuevo la incierta ruta.
Hay ritmo cromático que evoca una composición de Mondrian, o, un
contrapunto de Bach. Hay una impecable transición de la gran escala al
mínimo detalle. Hay un léxico en este idioma que es sereno y silencioso,
vocabulario compuesto por materiales cotidianos de oficina.
Es un enigma la narrativa de las incisiones sobre cartulinas de colores
que rematan algunas de las resmas de papel. Son una filigrana de dobleces
curvilíneos y rectilíneos que sugieren majestuosas maquetas
arquitectónicas, plataformas obsesivas que invitan al difícil ejercicio de
detenerse y observar sin opinar.
El artista dice: "Cuando entiendo: hablo, cuando entiendo menos: escribo,
cuando no entiendo nada: dibujo o corto papelitos", y agrega: "Todas mis
esperanzas están relacionadas con escándalos lentos o mutaciones
imperceptibles. Mi única meta es hacer visible el tiempo en un mundo donde
prestar atención resulta cursi y la delicadeza es considerada como una
actividad subversiva".
Las dudas de Marco Maggi, con su inmensa claridad, nos sumergen en la
incertidumbre.
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María José Arjona.
VIRES: Poder, Fuerza, Elección
15 de Septiembre
Performance
Sobre la fuerza, el deseo y los objetos del deseo
4:00 p.m. - 10:00 p.m.
La performer esta en el espacio, desnuda e inmovilizada por el arnés, ubicada frente a una podio en el cual hay una
urna donde se encuentra el diamante. Un asistente entra al espacio, saca el diamante de la urna y se lo coloca al
performer dentro de la boca.
El público esta instruido para tomar el diamante de la boca de la performer. Si algún miembro del publico consigue
sacar el diamante el o ella se quedara con él.
16 de Septiembre
Simposio
Eugenio Viola - Julia Draganovic - María José Arjona
Moderador: María Belén Saez de Ibarra
6:00 p.m.
17 de Septiembre
Performance
Sobre la suerte, el destino y la elección
11:00 a.m. - 7:00 p.m.
La performer se encuentra de pie en la plataforma y un par de dados se encuentran frente a ella. El espectador esta
instruido para subirse a la plataforma lanzar los dados y realizar una acción (hacer algo físico) a la performer, el
numero de veces que dictamine el dado.
La suerte solo dicta el numero de veces que la acción debe ser realizada, pero está en las manos del publico que tipo
de acción (positiva o negativa) inflinge a la performer, afectado no solo su cuerpo sino el performance en si.
19 y 20 de Septiembre
Exposición Abierta
10:00 a.m. - 6:00 p.m.
21 de Septiembre
Performance
Sobre el conocimiento y la liberación
5:00 p.m. - 9:00 p.m.
La performer usa un traje que la inmoviliza, sujetando su cuerpo por 30 bandas de cuero. Un candado cierra cada
banda e indica la localización de chacras menores y mayores en el cuerpo de la performer. Debajo de cada candado
hay una punta metálica que con el paso del tiempo crea una marca que le permitirá al publico ver, en el momento que
el traje este completamente removido, el efecto de éste en el cuerpo de la performer. Al mismo tiempo le permite al
publico entender que la participación es una de las fuerzas detrás de cada acto de libertad.
La estrategia estética de María José Arjona se centra en una relectura del cuerpo, intenta hacerlo síntoma, huella y signo. En su obra la identidad femenina y la conciencia del cuerpo se presentan siempre como el producto de complejos procesos atribuidos al cambio. El cuerpo dócil que la artista regula, protege y asila, es al mismo tiempo un cuerpo recalcitrante, inscrito en el espacio y el tiempo, en el contexto socio-histórico, que reclama y protesta. Un cuerpo impersonal y casi "pre-individual", pero al mismo tiempo social, del cual se deriva el carácter publico intrínseco en todas sus acciones. Al convertirse en instrumento y en lugar de reconocimiento, el cuerpo de María José Arjona se transforma en un espacio epistemológico y por lo tanto, se hace accesible para el espectador. Su cuerpo, la matanza de los signo (Baudrillard), se convierte en una pantalla en la que se proyectan imágenes del yo y del resto del mundo, en una empatía conmovedora, a veces es incómoda, pero que siempre esta presente en la investigación y la práctica de esta artista colombiana. El ciclo de performances Vires ejercicios sobre el poder, nace con el deseo de analizar el poder en sus diversas formas. Pero, ¿qué es el poder?
La filosofía en el siglo XX se ha esforzado por dar una definición exhaustiva de un concepto que tiene limites borrosos y una polisemia irreductible. Michel Foucault desarrolló el concepto de biopoder, poder que construye cuerpos, deseos y procesos fundamentales de la vida misma. Alrededor de esta estrecha relación entre el poder y el cuerpo, surge el concepto de biopolítica, territorio en el que se mueven las redes de poder que manejan las disciplinas del cuerpo. Un cuerpo que se inscribe tanto en las estrategias globales (derecho y ley) como en las estrategias locales (relacional). Un cuerpo envestido por la producción discursiva que lo llevó al terreno de la intervención, la modificación y el hacer.
Es en esta línea de pensamiento donde se inserta la búsqueda de María José Arjona, que utiliza el poder - ya sea político, cultural, social o económico - como una metáfora para llevar a cabo un razonamiento interno sobre los códigos del performance, explorando la continuidad y la diferencia, para investigar, en última instancia, la herencia, métodos y perspectivas.
Vires ejercicios sobre el poder es una acción de larga duración y en proceso, donde la artista pone a dura prueba sus límites físicos y psicológicos, sometiendo a su propio cuerpo a duras reglas. Una serie de performances encaminados a reafirmar el gesto "heroico" de la artista, suspendido entre el deseo y la defensa, la autorización y la prohibición, el voyeurismo y el exhibicionismo, los flujos de placer sádico y masoquista, la fantasía nihilista y la pulsión liberadora.
Eugenio Viola
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VIRES, en latín poder, influencia y/o fuerza manifiesta la dura prueba a la que somete María José Arjona sus límites físicos y psicológicos haciendo de su propio cuerpo el medio para abordar los diversos sistemas de poder y enfrentar la elección como el más relevante ejercicio de libertad. La primera presentación de VIRES fue en el Museo MADRE de Nápoles en el 2010, luego se presentó en el Teatro Anatómico de Bolonia, en el Bort Kunshale-Hilger Contemporary de Viena, en el estudio Abramovic en Location One de New York, y el Miami Art Museum de Miami.
Esta serie de performances enfatizan el gesto y la voluntad de la artista, suspendida entre el deseo y la defensa, la autorización y la prohibición, el voyerismo y exhibicionismo, los flujos de placer sádico y masoquista, la fantasía nihilista y la pulsión liberadora. Nacen con el deseo de analizar el poder en sus diversas formas y utilizan como estrategia la articulación de este poder en relación estrecha con el cuerpo y el individuo como ente primordial de cambio en la sociedad a la que pertenece.
Las imágenes, la suerte, el destino, el conocimiento a través del tiempo y la fuerza, se presentan como formulaciones conceptuales y formales para que el espectador sea, finalmente, el cuerpo capaz de reivindicar el mayor poder de un individuo: El ejercicio de la libertad, el derecho a decidir. La destreza estética de María José Arjona se centra en una re-lectura del cuerpo. En su obra la identidad femenina y la conciencia del cuerpo se presentan como producto. El cuerpo dócil que la artista regula, protege y asila, es al mismo tiempo cuerpo recalcítrate que reclama y protesta.
Para María José, la presencia del cuerpo humano no funciona como símbolo, no narra una historia, ni pretende entretener audiencias. El cuerpo funciona como un material, herramienta y medio de transmisión visual; de intercambio energético, repetición como estrategia, de gestos no jerárquicos. El cuerpo se convierte en agente necesario para entender el espacio y el tiempo, aproximarse e integrarse al mundo. Un mundo de violencia cada vez mas concreta y definitiva donde tecnología, comunicación y migraciones masivas, afectan de manera radical la forma como vivimos; donde lo multicultural y la identidad se re-evalúan, día a día, como un conjuro que nos mantiene a flote a través de espacios virtuales donde se transgreden límites y fronteras.
VIRES propone que el cuerpo del artista interactué con el espectador y se instale en el espacio de lo público, funcionando como traductor de la dinámica que se construye en esta relación más global. La obra ya no respira hacia adentro para luego expandirse sino más bien respira y se ancla en el cuerpo social para encontrar una verdad interna en cada individuo.
Guillermo Ovalle
(Ver Prensa)
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Un proyecto de Juan Carlos Delgado
Agosto 4 a Septiembre 3 de 2011
Hay un rigor temático y armónico en todos los componentes de la sobria instalación de Juan Carlos Delgado, en la que el vacío resulta tan protagónico como los objetos silenciosos que generan un ambiente místico.
Delgado utiliza el espacio del primer piso de la galería como un lienzo en el que instala una gran reja de tubos de cobre recubiertos de hielo, de un lado a otro y de piso a techo. Los marcados planos de luz cálida y fría en el espacio, la huella del hielo sobre el bronce, y el gusto por los
elementos primarios son evocativos de un anhelo de permanencia e intimidad.
Una segunda obra reposa frente al enrejado, el busto de una niña esculpida -también en bronce e igualmente helada- que descansa sobre un pedestal de mármol negro. En el segundo piso se exhibe una variación del busto de belleza idealizada, pero con un acabado bruto de bronce. En contrapunto, hay un relieve rectangular de mármol negro de donde salen un par de manos de bronce de las que brota fuego.
En esta propuesta se hace evidente un gusto por los cánones de la belleza y la forma clásica que evocan una pintura de Georges de La Tour. Es una instalación equilibrada que tiene la cualidad de esconder a través del filtro de la belleza, el tumulto de las calles bogotanas, los encuentros con escenas de la pobreza que dejaron huella en el artista, como las vividas en el antiguo Cartucho de Bogotá donde los miserables se daban cita alrededor de una fogata.
Hay un halo de intimidad y serenidad muy personal que invitan a entrar en un estado contemplativo.
Sujetos: un proyecto de Santiago Leal
Junio 30 a Julio 23 de 2011
¿Quiénes son estos mil hombres? Ellos son, desde el hombre del común hasta
el ideal objeto del deseo que pocos alcanzan; figuras organizadas en cuatro
secciones que representan la pluralidad masculina.
Dibujo masivo que el visitante puede penetrar y recorrer activando planos de
luz y sombra inesperados, experimentando en su interior otra dimensión. Los
perfiles en tinta, en trazos gestuales que definen o abstraen la anatomía de la
figuras se suman o restan con el movimiento, creando una composición llena de
contrapuntos de gran dinamismo.
Tras el penetrable hay investigación y trabajo. Obsesión por el cuerpo masculino,
observación y selección, agrupación, elección. Leal se vale de las figuras
icónicas de la historia del arte o de la industria porno equilibrando así un espacio
democrático en donde caben todos. Una zona para recorridos efímeros y fugaces,
que segmenta la percepción de los sentidos, los sentimientos, el sedimento que
deja el recuerdo.
Sin duda, es una confrontación sobre un tema de identidad personal, acallado e
ignorado socialmente por mucho tiempo.
Espina Dorsal: un proyecto de Juan Fernando Herrán
Abril 8 al Mayo 21 de 2011
(Ver más imágenes)
NC-arte se complace en informarle que por segunda vez abre sus
puertas al público bogotano, esta vez con Espina Dorsal, un Proyecto de
Juan Fernando Herrán.
La instalación es una serie de módulos de escaleras sin acceso, que toman
direcciones imprevistas. La muestra está acompañada de un grupo de
fotografías, maquetas y dibujos de la génesis del proyecto.
Espina Dorsal es una reflexión visual sobre los espacios públicos y
privados en las zonas marginales de las grandes ciudades.
Después de un complejo trabajo de investigación, el artista nos presenta
estas escaleras de madera burda o fina, aéreas ó, empotradas, como
componentes arquitectónicos del espacio dirigidos hacia entradas de
casas imaginarias. Un subir y bajar que hablan del esfuerzo de la gente
que habita los barrios de ladera de los extramuros de las grandes urbes.
Juan Fernando Herrán es un reconocido artista colombiano nacido en Bogotá
en 1.963. Estudió artes plásticas en la universidad de los Andes, hizo una
maestría en escultura en Chelsea College of Art, Londres, y un postgrado en
Teoría del Arte en Chelsea College of Art, Londres. Merecedor de becas,
residencias, menciones y premios nacionales y extranjeros. Sus trabajos
más recordados son Campo Santo, A Ras de Tierra, Emplazamientos, y Tierra
Incógnita.
La curaduría de la exposición Espina Dorsal, un Proyecto de Juan Fernando
Herrán en NC-arte estuvo a cargo de Guillermo Ovalle.
Referencias Expansivas: siete murales efímeros
Diciembre 14 al 22 de 2010 /
Enero 11 a Febrero 12 de 2011
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(Ver Prensa)
La tradicional pintura mural, asume su propiedad generadora de territorio expansivo y escenográfico al que se le puede agregar el atributo de lo efímero y de la pintura como idea visual; instante que causa un impacto momentáneo. La propuesta Referencias Expansivas contrapone la tradición mural, con su peso histórico, a la temporalidad mínima propia del arte contemporáneo, la obra minuciosa de una impronta a la espontaneidad del grafitero.
Las rejas ornamentadas de puertas y ventanas de muchas casas de Bogotá cumplen la función de dar seguridad y privacidad. Evocan las celosías originarias de los mozárabes de la península ibérica. Luz Ángela Lizarazo parte de estos elaborados tejidos que protegen y encierran para configurar en contrapunto, frente a frente, dos grandes murales.
La violencia en Colombia, inevitablemente asociada a la cocaína, hace que el poder simbólico de los dibujos murales con puntos de hoja de coca de Miguel Ángel Rojas sea inmenso. Predominan la sutileza y las calidades atmosféricas que reflejan fielmente la idiosincrasia colombiana de “aquí no pasa nada” ocultando la realidad brutal.
El uso de Post-it y ventiladores hacen definitivamente efímero el mural Los Santos de Carlos Blanco. Las formas y el color son enfáticas. La composición de amplios planos permite entrever formas que pueden ser fálicas ó, armamentista. Este planteamiento ambiguo reseña un mundo virtual en el cual se conecta ó, desconecta una situación, sin consecuencias emocionales.
La imagen idealizada de Panóptico (una torre para Fritz Lang), de Jaime Franco, esta ejecutada con el más terrenal de los materiales: el barro. El poderoso contrapunto entre el material primigenio y la imagen mítica de la famosa torre emblemática de la película Metrópolis aumentan el peso histórico en este mural de grandes dimensiones.
Desde hace años los bogotanos hemos estado expuestos a los murales, regados por toda la ciudad, de Toxicomano. Su repertorio proviene de imágenes pop manejadas con un dominio y dinamismo extraordinario. En Historias de Independencia hay un voceador con el clásico chispazo de colores vibrantes a partir del cual se desprende un telón de imágenes en acción en tonalidades grises, acentuado por pixeles ó, destellos de energía.
Líneas en perspectiva ejecutadas con cimbre sobre un fondo de cemento crudo son el punto de partida minimalista que propone Rodrigo Echeverri en su mural inspirado en un espacio del edifico de N-ce arte. Esta sutil composición invita al espectador a entrar en el espacio con menos compromisos, a contemplar las imperfecciones y manchas del muro, participando, como cuando se está acostado mirando al techo y se descubren figuras nunca antes vistas.
Guillermo Ovalle
Director N-ce arte
Miguel Ángel Rojas: Esencial / Essential.
Octubre 22 al 24 de 2010
Exhibición de importantes obras de Miguel Ángel Rojas dentro del marco del lanzamiento del libro. Casa en el aire conformada por seis módulos de un impactante fondo blanco y manchas oscuras con una textura prominente fue una de las obras seminales del montaje. Esta lírica composición abstracta evoca el polvo blanco que tantos conflictos ha traído a la sociedad colombiana.
